Signs

Señales (2002)

He estado pensando mucho por dónde empezar a hablar de Signs, pues es impecable en todos sus aspectos: guión, dirección, actuaciones, cinematografía, edición, músicalización, etc. Claro que no es una película perfecta, tiene errores como todas, pero sí es un buen ejemplo de un proceso muy cuidadoso desde su idealización hasta su promoción (no incluyo la distribución porque es un asunto que no se involucra directamente al cine como expresión artística ni se relaciona con los autores de las obras sino con las distribuidoras, como su nombre lo dice).

M. Night Shyamalan es un escritor muy creativo y un director que sabe lo que quiere mostrar en la pantalla. Esto se ve como resultado en todas sus películas y en este caso en particular (Signs), se refleja principalmente en el cuidadoso proceso de producción que tuvo la cinta. Shyamalan muchas veces no cumple con las expectativas o predicciones del público (debido a giros inesperados en sus películas) y sufre críticas por ello, pero estos giros son tan interesantes y bien alcanzados que, si se analizan a fondo, no tienen fallas en si mismos. Su mayor problema en cuanto a críticas proviene de aquellas personas que no hacen diferencia entre "gustos personales" y una "crítica objetiva" (por parte, tanto del público en general, como de los críticos "profesionales" y con un muy amplio conocimiento de cine que admiro, pero muchas veces los hacen verse sobervios), es decir aquellos que dicen "esa película es mala porque a mí no me gustó". Tras mi apología a Shyamalan proseguiré mi comentario.

Sin duda alguna Signs es un claro ejemplo de ruptura de paradigmas, algo que, irónicamente, ya se ha vuelto un estándar o paradigma en las películas de Shyamalan. A pesar de involucrar seres de otros planetas (un clásico motivo para las historias de ciencia ficción), esta película cae dentro del género de drama y suspenso en lugar de lo que se esperaría ante dicha premisa, que podría ser algo relacionado a la ciencia ficción o a la acción. Desde las primeras escenas la película avanza a un ritmo ágil, pero no se revela más información de la necesaria para crear una intriga real en la audiencia, sin hacer más que sugerir ideas de las cuales la imaginación de cada persona se alimenta y se encarga de generar, de maneras únicas en cada espectador, un suspenso y un miedo muy especiales. El mismo Shyamalan dice preferir el suspenso y terror de tendencias más antiguas, cuando sólo se acostumbraba sugerir una idea "aterradora" (la sombra del cuchillo en Psycho por ejemplo) en lugar de mostrar por completo lo que el director/productor/guionista/etc. cree que asusta a su audiencia. Comparto la idea de Shyamalan y creo que para el género de suspenso, es de mucho mejor calidad optar por esta técnica, porque no sólo se hacen sugerencias sutiles (lo que asegura una estable distancia con el gore), sino que, si esto se maneja correctamente para lograr su propósito, se hace un cine más artístico, en el que los factores como la iluminación, dirección de cámaras, edición, música, etc. necesitan ser cuidados hasta el más mínimo detalle para generar las emociones deseadas. Es decir, estos factores se unen para formar un resultado final unificado, una película de calidad, algo que el cine comercial ha perdido y muchas veces encontramos cintas en las que la música o la edición son usadas como "herramientas de apoyo" para "mejorar" la película en lugar de tomarse en cuenta como elementos de la misma desde un inicio. Toda película (a excepción de algunas propuestas artísticas que por ciertos motivos no lo hagan) "oficialmente" trata con cuidado los elementos que mencioné como la edición y dirección de cámaras (muchas parece que se esfuerzan en tirar a la basura el presupuesto que se les otorga); mi argumento no es que los géneros de terror y suspenso deban manejarse como Shyamalan dice, sino que quise resaltar la manera en que si se hace de esta manera (aunqe no es la única que lo ocasione), obliga a los creadores a mejorar la calidad de la cinta y la mayoría de sus elementos de la misma forma que utilizar un McGuffin impulsa a una mejora en la calidad y construcción del guión.

Como dije en un inicio, todo aspecto de la cinta está muy cuidado y resulta irónico, pues si no se presta atención especial a los detalles, pasan desapercibidos. Es un claro ejemplo de que "un trabajo bien hecho es aquel que no se nota" desde el punto de vista de que los resultados fluyen bien. Por ejemplo en una fábrica, si el producto sale a tiempo y de buena calidad, nadie nota un enorme esfuerzo (probablemente mayor al común) por parte de los trabajadores, pues se esperaba el producto, ese era el "plan" (como argumenta The Joker en The Dark Knight), pero si a causa de un error de esos mismos trabajadores el producto se atrasa unos minutos se aprecia por todos, tanto jefes, como clientes y compañeros. Es así como me sorprendió saber el enorme esfuerzo que se hizo por dar realismo a la cinta. Para comenzar, se usó maíz y no trigo (el trigo sría la opción obvia) porque es mucho más difícil de doblar y Shymalan quería que se apreciara desde el pincipio (por quellos que saben que el trigo es mucho más "suave" que el maíz) lo difícil que sería que las señales que aparecen en la película fueran hechas por bromistas. Incluso dichas señales son verdaderamente reales (valga la redundancia), me refiero a que el equipo de producción le sugirió al director hacer sólo la primera "sección" en los campos de maíz y lo restante por medio de CGI a lo cual Shyamalan se negó pues quería el mayor realismo posible. El último detalle (en cuanto a dirección de arte principalmente) que cabe remarcar, es la casa. Sus colores (blanca, azul y roja) denotan que es una "familia común" de E.U.A. y todo en su interior está muy bien seleccionado para mostrar que en verdad ahí vive una familia en la que hay niños y en donde hubo una reciente pérdida. A la vez, "la casa" es el lugar donde sucede todo, a pesar de escuchar en noticieros sobre más señales en cultivos, algo que (sere más reiterativo) ayuda a la sensación de suspenso, es que la audiencia vive junto con esa familia toda la película y es sólo desde su punto de vista que se conoce lo sucedido, logrando así una conexión con emotiva con los personajes y sus intereses. La parte de la película en que la familia Hess visita la ciudad, ayuda a conocer el perfil de cada uno, pero aún así, ir la ciudad no es más que es sólo un momento de relajación antes del clímax (tanto para los Hess como para el público). Esto resulta arriesgado, pues como técnica literaria, relajar las situaciones antes del clímax no es lo que el público espera por naturaleza, si no se hace bien y breve, puede hacer que se pierda el interés en la secuencia y que el público no preste atención a los datos importantes que se mencionen durante esa etapa, ese "paréntesis".

Por otro lado uno de los elementos más importantes junto con la dirección y el guión son las actuaciones. Aunque claro está que el guión determina las características de los personajes, los actores deben llevarlos a la vida y transmitir las sensaciones necesarias para crear empatía con el público y mostrarles como personajes realistas (dentro de su género, pues es claro pues en casos de fantasía no son personajes "realistas", me refiero a que sean creíbles y su desarrollo no se vea forzado). En verdad los protagonistas (Mel Gibson, Joaquin Phoenix, Rory Culkin y Abigail Breslin) interpretan a sus personajes de manera espléndida. Mel Gibson interpreta a Graham Hess, un ex-reverendo que perdió su fe tras la reciente muerte de su esposa, pero que no se ha dejado destrozar como padre ni como hermano. A pesar del dolor que debe demostrar, Mel Gibson da vida a un personaje muy completo, que no se sumerge en depresión, pero que constantemente refleja su tristeza a través de una seriedad que al mismo tiempo, no lo aleja de su familia. Joaquin Phoenix interpreta a Merrill, hermano de Graham y junto con él trabaja en la granja y lo apoya viviendo ahí después de que Graham enviudara. Joaquin Phoenix interpreta a un hermano menor que lleva una buena relación con Graham y que tiene un caracter firme, que a pesar de ser tranquilo, es confiable y responsable. Rory Culkin en su papel de Morgan, da vida a un hijo que confía en su padre a toda costa, pero que por tener una hermana menor y por eprder a su madre, ha desarrollado un caracter protector con su hermana y responsable sin ser una carga para su padre. Finalmente Abigail Breslin, que tenía tan sólo seis años al momento de grabar, da vida a una tierna y bella Bo Hess, que simboliza la inocencia en la película y que remarca que la inocencia (e incluso la ignorancia o falta de malicia) no conllevan el que una persona no sea confiable o no pueda ser de ayuda a pesar de que las apariencias engañen. Las actuaciones son en verdad remarcables y no por sí solas sino que al convivir unos con otros, los personajes se desarrollan de forma muy natural, como una verdadera familia en la que se apoyan mutuamente. Los diálogos también están muy adecuados y en muchas escenas logran transmitir las sensaciones de todos los miembros de la familia. Algunos de los ejemplos más claros son: la escena de la cena la noche en que la casa de los Hess es irrumpida o el momento en que Graham recobra su fe al darse cuenta de otro tipo de "señales" (las divinas) y tiene a Morgan en sus brazos mientras Merrill lucha contra el extraterrestre.

El elemento de las señales es otro símbolo muy importante en la película. Es una especie de juego de palabras pues a pesar de que en su mayoría se enfoca a las "señales" de los campos de cultivo, la historia también involucra desde un inicio la lucha de un hombre al cual Dios lo está probando y como Él le habla por medio de "señales" divinas que lo traen de regreso a su fe. La consecuencia o interpretación de estas señales divinas vienen a combatir las consecuencias de las señales en los cultivos pues es así como se salva la familia Hess, gracias a que "Graham escuchó" concluyendo una historia de suspenso y drama acerca de un hombre y su pérdida de fe.

La música y los efectos especiales son otros dos elementos que sin duda hacen de esta película una obra maestra de nuestros tiempos. Por un lado los efectos especiales fueron una elección difícil, pues el diseño de la especie extraterrestre debía resultar amenazadora y fuera de los clichés ya conocidos. Además, en lo personal me encantó la idea del camuflaje que usan, pues a diferencia del concepto popular utlizado en Predator, que demuestra una invisibilidad total, el optar por conservar los volúmenes del ser y sólo copiar los colores de las texturas cercanas, hacen de su camuflaje una idea más natural de un mecanismo de defensa de esa especie y no tanto uno de caza. Sobre la música, la quise mencionar al final, porque así fue introducida a la película. Shyamalan dice que en todas sus películas al principio decide no ponerles música y más tarde James Newton Howard (con quien Shyamalan ha trabajado desde que dirigió The Sixth Sense en 1999) lo convence de musicalizarlas con sus creaciones originales que Shyamalan termina por aceptar. La música en el caso de Signs es admirale no por su enorme complejidad en cuanto a la composición ni sus elaboradas melodías. Lo que hace notable el tema principal de Signs, es que a través de solamente tres notas (las cuales se repiten a lo largo de toda la película), logra apoyar las sensaciones de las escenas. Sin cambiar la melodía, las emociones transmitidas cambian de acuerdo al tempo, volumen e instrumentos con que se interpreta la pieza. En verdad me parece admirable el logro de James Newton Howard con esta pieza (aunque claro, no es la mejor pieza musical en una película).

Finalmente, quiero terminar mi (hasta ahora) comentario más largo en este blog. Quiero agradecer a todos los que resistan hasta este renglón (ya casi logran terminar) y también a los que no (aunqe no se enterarán de mi agradecimiento). Sinceramente, gracias por visitar esta página, en verdad me agrada mucho leer sus comentarios, opiniones, quejas y sugerencias. La próxima entrada no tardará tanto como ésta (en verdad esta vez no fue por holgazán, sino que me costó mucho trabajo la redacción de los primeros tres párrafos) y está vez será la primera de las entradas en este blog que es por petición (de una niña geek). Quería dejarlo como sorpresa, pero les daré el nombre, la cinta a tratar será V for Vendetta. También quiero dar un agradecimiento especial para quienes se han suscrito al feed de mi blog y también para quienes ya lo reciben en sus correos electrónicos. Para los interesados en esta opción, el link se encuentra en la parte superior de este blog, del lado derecho (tanto para quienes usen agregadores para feeds RSS como para quienes quieren recibir las entradas en su correo electrónico). Un saludo a todos, hasta la próxima.

Memento

Amnesia (2000)

Hace ya ocho años se estrenó este blog y deje de publicar por mucho tiempo. No, no es verdad sólo tiene unos meses de existir, pero me aleje un gran rato y heme aquí de vuelta con ustedes, así que aquí va la siguiente entrada.

Hace ya ocho años lo que sí se estrenó fue esta película y de inmediato recibió críticas favorables no sólo por parte de críticos de cine (los que se llaman a sí mismos expertos), sino también de la comunidad científica, señalando que Memento era una representación muy cercana a la realidad de la amnesia anterógrada (a diferencia de olvidar cosas del pasado, en la amnesia anterógrada se pierde la memoria a corto plazo por lo que a partir del suceso que la ocasiona no se pueden formar nuevos recuerdos) y del funcionamiento de la memoria humana. Debo confesar que nunca vi la película cómodamente en una butaca de cine (a veces ni tan cómodas), de lo cual ahora me arrepiento pues es una espectacular obra principalmente por su narrativa manejada de una manera inusual.

La historia no es simple, aunque tampoco nos enfrenta a una complejidad al estilo de Lord of the Rings. La premisa: un hombre (Leonard interpretado por Guy Pearce) busca al sujeto que violó y asesinó a su esposa, mismo que le causó la amnesia dándole un golpe en la cabeza. Mediante el uso de fotografías instantáneas, notas y tatuajes, se deja a sí mismo las pistas necesarias para vengar a su esposa. Lo que hace de esta película toda una obra maestra es su narrativa en retrospectiva, en ves de seguir el proceso "causa-consecuencia" cada escena de la película es la consecuencia de la escena siguiente. Al mismo tiempo cada escena también está formada por un fragmento de la memoria de Leonard (antes de que olvide lo que está sucediendo) que sólo dura unos minutos.

Al tener este estilo de narrativa, en el que además intercala entre escena y escena fragmentos de una conversación por teléfono entre Leonard y un desconocido (lo cual brinda información sobre la amnesia y el pasado de Leonard), Christopher Nolan se da el lujo (un lujo muy admirable por cierto) de incluir prácticamente en toda escena un giro en la historia pues al ver los eventos que dan pie a lo que uno como espectador vio unos minutos antes, descubre que absolutamente nada es lo que parece. Cabe mencionar que aunque Nolan es el director y guionista de esta película, la idea original viene de un cuento llamado Memento Mori escrito por su hermano Jonathan Nolan.

Hacia el final de la cinta se revelan cada vez más grandes desengaños que cambian lo que una gran mayoría (si no es que todos) puede siquiera imaginar al comienzo de la historia. En lo personal me parece que la actuación de Pearce ayuda, de muy buena manera, a imaginar la espantosa realidad que una persona con su condición médica debe experimentar. Al igual que en el caso de Pearce, las actuaciones que lo rodean por parte de Carrie-Anne Moss y Joe Pantoliano son buenas (aunque no las mejores de estos actores) y ayudan a explorar ciertas facetas de Leonard que en un principio parecen irrelevantes.

Sin duda esta película puede hacernos valorar la memoria más de lo acostumbrado pues sin ella la vida pierde sentido. Ya sea que no recordemos nada de nuestro pasado o que no podamos crear nuevos recuerdos, lo que marcaría simplemente el final de la vida en cierta manera, dependemos de nuestros recuerdos para prácticamente todas las actividades en la vida. Cuando vi la película en verdad me aterró tan siquiera pensar en dicha situación y creo que no soy el único al que le ha sucedido esto. Finalmente me despido y como siempre les pido comentarios, sugerencias, quejas, etc. También quiero decirles que ya hay feed de este blog al que se pueden suscribir fácilmente (el enlace se encuentra en la esquina superior derecha del sitio) y también ahora pueden contactarme de manera más sencilla (hay un link al final de cada entrada en el feed). Me despido y prometo no volver a tardar meses en actualizar este blog.

Twelve Monkeys

Doce monos (1995)

Viajando 13 años en el tiempo podemos encontrar una entretenida, aunque larga, película que precisamente incluye viajes en el tiempo y me refiero a Twelve Monkeys. Antes de que exista cualquier mala interpretación, esta película de Terry Gilliam no trata acerca de viajes en el tiempo, los incluye, pero no es su tema principal. La historia comienza en el año 2035, donde nos presentan a la población humana viviendo en una distropía subterránea. La causa de este fatídico destino es un virus que deliberadamente fue esparcido por el mundo en 1996 dejando a muy pocos sobrevivientes y la superficie de la Tierra totalmente contaminada por el mismo. Cabe mencionar que a pesar de que incluye cambios mayores con respecto a la historia original, esta cinta es una adaptación a largometraje del cortometraje de 28 minutos títulado La Jetée de Chris Marker.

El protagonista de la cinta es James Cole (interpretado por Bruce Willis), quien es un reo al cual eligen como "voluntario" para salir a la superficie protegido por un traje especial, con la misión de explorar y encontrar formas de vida. Cuando regresa, le es propuesta una misión distinta: viajar en el tiempo a 1996, para rastrear a un grupo conocido como "The Army of the Twelve Monkeys" (el ejército de los 12 monos) quienes suponen son los culpables de desatar el caos actual del mundo. La historia muestra de forma interesante como ciertos errores en los cálculos del viaje hacen que Cole sea considerado como un loco (en el pasado) e ingresado a un manicomio. De aquí en adelante es donde la historia comienza a tomar giros bastante inesperados y permite finalmente un desenlace lógico, aunque para algunos aún sorpresivo.

Lo que hace de esta película una fuera de lo común, son los subtemas tratados para apoyar la trama, referentes tanto al "destino inevitable" como a la locura, pues durante el desarrollo de la historia Gilliam juega con la mente de Cole de una forma no única, pero si extraordinaria y en este elemento participa importantemente Kathryn Railly interpretada por Madeleine Stowe. La actuación de Bruce Willis deja conocer todas las facetas de Cole, quien pasa de ser desde violento en extremo, hasta en algunas ocasiones un tanto tierno. Por otro lado considero personalmente que una de las mejores actuaciones de Brad Pitt a lo largo de toda su carrera, ha sido interpretando a Jeffrey Goines en esta cinta. Ambos personajes son muy interesantes y se desarrollan de forma completa, en especial James Cole.

La dirección de cámaras es interesante pues muchas veces va de acuerdo con la emoción que está experimentando James Cole y esto es acompañado con la música, lo que hace de la película una muy buena combinación de estos dos elementos unidos con las actuaciones. Finalmente, debido a esto y a algunas escenas que plantean la posibilidad de distintos motivos para la historia y de cómo y dónde se desarrolla, es necesario verla dos o tres veces para poder entender muchos de los detalles y de las insinuaciones que hace Gilliam con respecto a la locura de Cole y su misión.

Como ya se está volviendo una costumbre, dedico este último párrafo a todos los que hayan leído esta crítica, la cual traté de hacer más ligera que las anteriores. Como siempre les pido sus comentarios, opiniones y sugerencias sobre qué mejorar y acerca de qué películas quieren que sean tratadas aquí. Me despido y espero continuar recibiendo sus visitas y también díganle a sus amigos que se paseen por aquí.

Lost in Translation

Perdidos en Tokio (2003)

Como era de esperarse, no he recibido peticiones así que continuaré decidiendo por mí mismo de qué película hablar hasta que a alguien le interese pedir alguna en especial. Decidí continuar con una película de la que he escuchado opiniones totalmente opuestas, pues las hay de quienes nos fascina y hay de quienes no la soportan. Lo más interesante de esta situación es que son los mismos elementos de la película que algunos vemos como maravillosos, los que a otros les provocan aburrimiento extremo o incluso tortícolis.

Lost in Translation fue la cuarta película dirigida por Sofia Coppola (sí, es hija de Francis Ford Coppola), quien también escribió el guión. A pesar de tener una duración de 102 minutos, ese tiempo es suficiente para mostrar todas las escenas con el suficiente detenimiento y énfasis para causar las emociones intencionadas en la audiencia. Ya no es común en el cine encontrar fácilmente una película en la que se logre la mímesis, es decir la identificación del público con los personajes, de la forma en que esta cinta lo hace. Esto en gran parte se logra al desarrollar una historia que no resulta muy compleja, con un ritmo constante (lo cual no es sinónimo de una narración con mucha velocidad) y un trabajo de fotografía bastante bueno. Los dos primeros aspectos son los que causan aburrimiento en algunas personas pues la historia completa es muy tranquila y muestra las experiencias de dos estadounidenses enfrentando el choque cultural al estar en Japón sintiéndose solos y hallando refugio el uno en el otro.

Los protagonistas son Bob Harris, interpretado por Bill Murray, quien es un actor casado y con hijos viajando solo a Japón para trabajar en anuncios publicitarios de Suntory; y Charlotte, interpretada por Scarlett Johansson, una joven recién casada con un fotógrafo quien va a trabajar a Japón y ella lo acompaña, pero no recibe mucha atención por parte de su distraido esposo. Ambas actuaciones son muy buenas, lo que permite conocer a los personajes y la forma en que se relacionan. Estando lejos de casa y sintiéndose aislados en una cultura totalmente desconocida, terminan por conocerse estando en el bar del hotel en el que se hospedan y deciden acompañarse para darle a su aburrido viaje un toque de diversión. A pesar de que se puede catalogar como una historia de amor, no funciona de la misma forma que lo hace la tradicional "historia de amor" en películas del género romántico pues las motivaciones de los personajes no son las que se acostumbra ver en el cine comercial.

Por otro lado el trabajo de fotografía es espléndido, pues durante toda la película se pueden apreciar paísajes urbanos nipones únicos. A su vez, la producción no pidió los permisos necesarios para filmar, por ejemplo, en las calles o en el metro, lo cual muestra a los personajes en ambientes completamente reales y no controlados de Japón, brindando más naturalidad a la cinta pues muchas de sus locaciones naturales junto con su iluminación. El uso de escenas que muestran los recorridos de los personajes de un lugar a otro dentro de la ciudad, o dentro del hotel mismo son muy comunes lo cual puede causar que algunas personas las hallen tediosas.

El que sea una película tranquila no permitió a Bill Murray alejarse de su carácter cómico, lo cual añade constantes momentos en los que en verdad el público puede carcajearse con la impecable actuación de Murray, en especial durante las escenas de la filmación de un comercial y la sesión de fotografías, al igual que la escena en el hospital.

El elemento que más me sorprendió sobre la película es, como antes lo mencioné, la mímesis lograda, aunque claro, esta es una experiencia muy personal y no a todos les sucederá lo mismo ni de la misma manera. Esto se puede apreciar claramente en la sensación inicial de aburrimiento que causa la película, pero si ésta se analiza con atención, Sofia Coppola logra tenernos un tanto aburridos o más bien, frustrados, cuando los personajes se sienten de esta forma, pero en el momento en que se conocen y comienzan a divertirse, la película parece más amena a pesar de que el ritmo que tiene la secuencia de eventos no acelera, sólo son distintos eventos que se disfrutan más.

También debo decir (y opinar sobre) que la película ha recibido críticas acerca del retrato que se le da a los japoneses. Se ha dicho que la cinta coloca "como es acostumbrado" al estadounidense como una persona inteligente y desarrollada (un tanto "superior" a los demás) mientras muestra a los japoneses como "tontos". Yo personalmente estoy en desacuerdo con esta crítica, en mi opinión el discurso de la película se enfoca en la soledad que experimentan los personajes en una cultura distinta y como se sienten perdidos. Incluso hay ciertas escenas, como la del hospital, que muestran más bien como un poco tonto a Bob Harris al no entender lo que le dicen. Claro está que esta opinión, como todas las demás, dependen de el punto de vista desde el que se vea y para unos puede ser verdad que la cinta retrata japoneses tontos y para otros puede ser mentira.

El último elemento del que quiero hablar, es precisamente el final de la película, no voy a contar lo que sucede, sólo quiero decir que la escena de "despedida" (junto con la escena en que ambos platican estando en la cama de la habitación de Bob), es una escena breve, pero con una carga emocional enorme y un toque de esperanza muy fino. Si en verdad logran ser atrapados por esta película (pues en verdad no es una película "fácil" de ver, debe dedicarse toda la atención posible al verla y la verdad creo que la mayoría de las películas merecen toda la atención posible, incluso las malas, porque como se les puede juzgar si no se aprecian del todo), podrán entender a qué me refiero con las emociones de esta escena final y tal vez al igual que me sucedió, querrán volver a ver la película varias veces más.

Nuevamente agradezco a mis lectores que hayan sobrevivido para leer esto, como antes dije, les pido dejen sus comentarios y opiniones tanto de la película como de mi crítica y si quieren que hable sobre alguna película en especial envíenme un email a la dirección que encontrarán bajo el título "Contacto" en la sección de la derecha. Saludos a todos y sigan paseándose por aquí y encuentrarán cada vez más sugerencias de cine que tal vez no conozcan. También anuncio que pronto también incluiré películas más recientes ya sean de cartelera o por lo menos de este año.

Sen to Chihiro no kamikakushi

El viaje de Chihiro (2001)

Como era obvio por el nombre del blog, debo comenzar con la película a la que hago referencia, "Sen to chihiro no kamikakushi" (conocida en español como "El viaje de Chihiro"), la cual es una de mis favoritas por su historia, la forma en que es narrada y la enorme variedad de detalles que la enriquecen a cada momento durante sus 125 minutos (sí, incluso los créditos finales están acompañados de una música hermosa e imágenes espectaculares). Uno de esos detalles es el título original, el cual podría traducirse como: "El secuestro de Sen y Chihiro por los espíritus", aunque también la lectura del título en su escritura japonesa tradicional ofrece distintas interpretaciones, todas relacionadas con la película lo que dificulta una traducción exacta o "única", pero muestra un cuidado excepcional de todos los aspectos que forman una película.

Después de aclarar ese punto seguiré con cosas más importantes (y más interesantes) que el título. En pocas palabras la película trata las experiencias y reflexiones vividas por una niña de 10 años (Chihiro/Sen) al llegar a un mundo en el que habitan dioses y espíritus, específicamente llega a unos baños termales donde dichos espíritus van a relajarse y limpiarse. A pesar de escucharse algo fantástica e infantil, ninguna descripción puede reducir todo lo que hay en una película, y en el caso de ésta, es importante remarcar que no es una película meramente para niños. Si los niños pequeños la ven, encontrarán en ella una entretenida película con una historia llena de aventuras, se reíran en algunas escenas y probablemente al final la vean en parte como una historia de amor. Lo interesante es que a pesar de que ofrezca esta "versión infantil", la misma película vista con más detenimiento incluye un interesante discurso de crítica social y una historia diferente a una de amor.

Algo que ayuda al desarrollo de la historia y a que el público no caiga dormido, es el magnífico trabajo de animación. La calidad de esta área durante toda la película es notablemente buena e incluye secuencias en las que se utilizó CGI para lograr un efecto distinto al de la animación tradicional. Es muy interesante remarcar la forma en la que se diseño cada detalle de la película, pues gran parte de los escenarios están detallados de manera que se cuida incluso el fondo de los mismos, aunque en algunas ocasiones sólo aparezca por un par de segundos lo cual habla de un gran trabajo del director Hayao Miyazaki y de el personal de Studio Ghibli.

Un aspecto interesante, es la importancia que Miyazaki comunmente le da en sus películas a promover el cuidado del medio ambiente y Sen to Chihiro no kamikakushi no es la excepción. La escena que mejor refleja esto es el momento en el que el dios de un río llega a los baños y finalmente tras lograr limpiarlo, de él salen enormes cantidades de desechos y basura que la gente ha arrojado en él. Esta película también incluye una fuerte crítica hacia algunas conductas populares entre las sociedades de muchos países entre las que se encuentra la codicia, la pérdida de la identidad personal y también habla de la pureza de los niños. Todo esto va de la mano con un magnífico desarrollo de personajes "reales" o "creibles" que no caen dentro de los estereotipos de "los buenos" y "los malos", simplemente cada uno tiene sus propias convicciones y necesidades que satisfacer de acuerdo con su naturaleza. Por ejemplo, en el caso de Chihiro está la voluntad de salvar a sus padres tratando de no meterse en problemas y al mismo tiempo ayudando a otros, aunque también en un principio es algo egoista. Yubaba sólo se enfoca en brindar el mejor servicio a sus clientes para ganar grandes cantidades de oro al mismo tiempo que se preocupa por el cuidado de su hijo Boh. Por otro lado los trabajadores de Yubaba al carecer de una identidad propia, simplemente la obedecen y se convierten en una crítica a la industria moderna donde el trabajador vende su capacidad laboral a cambio de capital.

Como último punto, como con toda película, debo mencionar también los aspectos que pueden parecer malos para algunas personas. Para empezar es una cinta larga, en especial para nuestro cerebro se vuelve cansada, pues en este lado del mundo hacemos inmediatamente la relación de que si una película es hecha con "dibujos" no rebazará los 90 minutos. en promedio En segundo lugar puede volverse un poco lenta para algunos pues Miyazaki se preocupa mucho por el aspecto visual de sus obras, creando algunas escenas que duran "demasiado" pues el peso visual es más importante de lo acostumbrado durante dichas escenas. A su vez la gran cantidad de elementos de la mitología y sociedad japonesa presentes en la cinta ocasionan que los que vivimos tan alejados de oriente, no comprendamos algunas cosas la primera vez que las vemos (y hay algunas que ni siquiera notamos que son símbolo de algun elemento nipon y no sólo "parte del escenario"). Como recomendación final, en verdad les sugiero que no vean la versión doblada al inglés, de preferencia veanla en japonés con subtítulos en español o en su defecto en doblaje al español el cual es muy bueno. Esto lo digo porque Disney tiene la "simpática" obsesión de importar películas niponas de animé y durante el doblaje cambiar radicalmente algunos diálogos, o como en el caso de esta película, agregar diálogos al final, para que sea adecada a "su audiencia" (asumiendo que "su audiencia" son niños de tres años mal educados que necesitan ver una película porque sus padres no les han enseñado nada), agregándole valores morales comúnmente encontrados en historias infantiles de occidente y trasformando radicalmente las relaciones entre los personajes y por lo tanto su desarrollo.

Por último quiero agradecer su tiempo a quienes llegaron hasta aquí y les pido me den sus opiniones (abajo de esta párrafo le dan clic en donde dice comentarios), sobre la película y sobre mi crítica para saber si están de acuerdo o no, si les sirvió de algo o si olvidé mencionar cosas importantes (aclaro que a pesar de que es una entrada larga, no quise entrar en muchos detalles sobre la simbología o el desarrollo de cada personaje, así que si quieren que agregue enormes cantidades de información de mitología o de la lectura del título, por decir algunos, agregaré los vínculos apropiados, pero no plagiaré información de ninguna fuente). También a quienes quieran que publique acerca de alguna película en especial mandenme un email (encontrarán el mío bajo el título "Contacto" a la derecha de la página) y me aseguraré de responderles si ya la vi o no y cuando ya haya publicado la entrada sobre esa película (claro, me tomará más tiempo si no he conseguido verla), pero aún así, dense una vuelta por aquí dos o tres veces por semana y probablemente encontrarán algo nuevo. Saludos a todos y hasta la próxima.